Mükerrem Tuncay, pigeon voyageur et artiste touche-à-tout

Awakening Fossil, 2010, photographies (C Print), © Mükerrem Tuncay

Retrouvez ses oeuvres à l’exposition Hyper- du 24 au 26 janvier 2020 à la galerie Création 57 – Agence ArchIn Design !

Peux-tu me parler un peu de ton parcours ?

J’ai un parcours un peu particulier, parce qu’interdisciplinaire. Je suis née en Turquie, et j’ai commencé par suivre une Licence de biologie. J’ai trouvé ça très intéressant, et ça m’a par exemple amenée à m’interroger sur le rapport que nous, les êtres humains, entretenons avec les autres êtres vivants. Mais c’était aussi un domaine dans lequel, à part en faisant une thèse, on ne pouvait pas s’exprimer.

C’est pour ça que j’ai voulu entrer aux Beaux-Arts comme photographe, parce que je voulais pouvoir exprimer ma propre opinion et ma propre expérience des chose. Grâce à un programme d’échange, j’ai pu venir finir mes études d’art à Lyon, et je ne suis plus repartie.

Peux-tu identifier des influences dans ton travail ?

Oui. J’ai été beaucoup influencée par des penseurs comme Françoise Vergès et l’idée du féminisme décolonial, Frantz Fanon (avec Peau noire, masques blancs, 1952) et Edward Saïd (L’Orientalisme, 1972) sur la question du racisme. Ce sont des réflexions qui m’ont aidée à mieux comprendre ma situation. Je suis aussi très intéressée par les théories des biologistes qui font le lien entre les différentes espèces, comme Donna Haraway ou Guillaume Lecointre.

Tu as une pratique très variée : tu fais de la photo, de la vidéo, de la céramique, de la sculpture, etc. Quels rapports vois-tu entre ces différentes formes ? Qu’est-ce qui t’amène à en choisir une plutôt qu’une autre ?

J’ai suivi une formation qui m’a permis de m’exprimer avec plusieurs mediums. Dans ce que je fais, j’essaye de toujours me laisser guider d’abord par le contenu et la recherche de forme vient par la suite. Comme je fais des installations, les choses finissent par trouver leur place dans l’ensemble. Mais ce qui m’amène à en choisir une plutôt qu’une autre ? Je crois que c’est une décision un peu instinctive. J’essaye de trouver le medium qui retranscrit le mieux le contenu émotionnel de l’œuvre.

Close call, 2019, poème, © Mükerrem Tuncay

Certaines de tes pièces sont aussi des textes, ou des poèmes : y a-t-il pour toi une différence entre ces textes et tes œuvres plastiques ? Te considères-tu comme artiste et poétesse ?

Non, pour moi ce ne sont pas deux choses différentes. Certains sentiments ne s’expriment que par la poésie, ça répond à un besoin. C’est comme ces gens qui chantent sur les chantiers, parce que le corps a besoin de s’exprimer.

Mais c’est une question intéressante. L’art contemporain est très cadré, et quand j’ai exposé ma pièce Letter to Kuzu, c’est une interrogation qui  a été soulevée : quel statut donner à ce texte ? Est-ce qu’on le considère comme un dessin ? Une sculpture ? Pour moi, ça n’a pas de sens de se le demander, les textes que j’écris font partie intégrante de ma pratique.

Tu travailles beaucoup avec la céramique ces dernières années, notamment avec des séries de dessins sur céramique. Comment en es-tu venue à utiliser cette technique ?

J’ai commencé à travailler la céramique en 2014, pour me libérer de mon ordinateur. Ca m’est apparu comme une nécessité : j’avais besoin de faire travailler mes mains, et pas seulement mon cerveau.

C’est vrai que c’est un médium que j’aime bien. J’ai commencé une série qui est censée être comme un journal de mon quotidien, avec un dessin assez caricatural. Je laisse souvent des traces de doigts sur les plaques, pour rappeler le processus de création. J’aime aussi utiliser ces pièces comme images. Je suis d’abord photographe, donc j’ai un goût pour l’image.

Mise en scène d’atelier, 2020, sculpture, © Mükerrem Tuncay

Pour l’exposition Hyper-, tu vas aussi présenter des pièces en céramique, des petites sculptures cette fois-ci. Peux-tu m’en parler un peu ?

C’est une exposition autour de la question du temps, et de l’hypermodernité. Je trouvais intéressant de travailler la céramique dans ce contexte, parce que ça me rappelle les fossiles qui restent comme mémoire des temps passés. Je me suis demandé ce que nous nous allions laisser comme fossiles.

J’ai eu envie aussi de travailler autour de l’image de la main, parce que c’est un symbole de transmission. C’est pour ça qu’un des éléments-clés des petites mise en scène que je vais présenter sera des sculptures de mains sur des claviers. Ca nous amène à nous poser la question de l’évolution des technologies : à quoi sert la technologie ? Et qu’est-ce qu’on apprend aux robots ? Quelles connaissances leur donne-t-on ? Quelles informations transmettrons-nous aux nouvelles générations ? Je pense que ce sont des questions d’actualité.

Propos recueillis par Alix Cazalet-Boudigues.

Exposition « Hyper- »

“Hyper-” a local art show like no other in the city of Lyon. It explores freely human perception and appreciation of time and temporality.

25 et 26 janvier 2020 (11h-18h)

Création 57 – Agence ArchIn Design, Lyon 2ème

Artistes: Kévin Ardito, Margaux Auria, Robin Curtil, Maxime Delhomme, Jenny Feal, Sabine Leclercq, Mükerrem Tuncay

Commissaire de l’exposition: Bérangère Amblard

Le 25 février 2019, un « bang » retentissait dans le ciel lyonnais. A 10 000 mètres au-dessus de la ville, un mirage 2000 en vol d’entrainement avait franchi le mur du son. Cette folie des records de vitesse prophétise un monde quadrillé par des réseaux de transports aux noms puissants et accrocheurs, plus rapides les uns que les autres ; des lignes d’avions supersoniques Boom, des voies de Bullet Trains, qui relieront Paris à Tokyo ou à San Francisco en quelques heures seulement. La vitesse des déplacements humains n’a de pareille que celle, vertigineuse, de la circulation et de la transmission des images, des informations ou des biens de consommation. Dans nos sociétés hypermodernes, tout concourt à répondre à une exigence désormais normalisée d’immédiateté. Le préfixe « hyper », que l’on accole maintenant un peu à tout, caractérise l’excès hypermoderne. Celui de l’ère de l’hyperconsommation, de l’hyperconnection, de l’hyperréalité, de l’hyperrapidité.

A mesure que les distances se réduisent et les frontières s’effacent, c’est le temps et sa mesure qui changent. « La société hypermoderne apparaît comme celle où le temps est de plus en plus vécu comme une préoccupation majeure, celle où s’exerce et se généralise une pression temporelle croissante. »  C’est ainsi que Gilles Lipovetsky caractérise l’époque hypermoderne. Une époque aux temporalités accélérées, raccourcies, à l’origine d’un sentiment de raréfaction du temps. Si bien que jamais l’impression de perdre du temps n’a été aussi prégnante que depuis que l’on cherche autant à en gagner. L’époque hypermoderne, et ses nombreux excès de vitesse, est aussi celle qui, à force d’accélération a fait imploser la temporalité. Celle où le présent est devenu hégémonique. « Un présent immobile s’est abattu sur le monde » affirme Marc Augé, « il n’est plus issu de la lente maturation du passé, ne laisse plus transparaître les linéaments de possibles futurs, mais s’impose comme un fait accompli ». La temporalité hypermoderne, se traduit également par cet état paradoxal d’apesanteur temporelle.

Les artistes exposés, jeunes diplômés des écoles des Beaux-Arts de la région Auvergne-Rhône-Alpes, travaillent en étroite collaboration intellectuelle avec les doctorants et jeunes chercheurs à l’origine du projet. Au croisement de la recherche académique et de la recherche artistique, cette exposition thématique se propose de saisir un temps toujours plus insaisissable. Elle aspire à mobiliser des prismes et des regards divers autour de questionnements communs. Comment appréhender une temporalité toujours plus glissante ? L’art peut-il influer sur sa perception ? Existe-t-il des contrepoids à l’ivresse de la vitesse ?

Rechercher dans OpenEdition Search

Vous allez être redirigé vers OpenEdition Search