Cette semaine, nous vous présentons Jenny Feal, artiste cubaine née en 1991 à La Havane. Jenny Feal exploite de nombreux media artistiques, du dessin à l’installation en passant par la peinture, la sculpture et la vidéo. Sa pratique artistique est très souvent centrée sur l’utilisation de matériaux naturels tels que l’argile, qu’elle module à sa guise pour dessiner ou pour construire des œuvres imprégnées de mémoire et d’histoire.
Retrouvez ses oeuvres à l’exposition Hyper- du 24 au 26 janvier 2020 à la galerie Création 57 – Agence ArchIn Design !
Peux-tu nous parler de ton parcours ?
J’ai commencé par étudier les beaux-arts à La Havane, par le biais d’une formation qui était très orientée vers les arts appliqués, et en particulier vers la céramique. Dans cette formation, la maîtrise du matériau était fondamentale, et cela a influencé ma pratique artistique aujourd’hui. Ensuite, lorsque j’ai déménagé en France pour venir étudier à l’École Supérieure d’Art de Marseille, puis à l’École des Beaux-arts de Lyon, j’ai suivi des formations davantage tournées vers la théorie et la conceptualisation de la création artistique. Quand je suis arrivée en France, j’étais d’ailleurs surprise d’entendre des expressions péjoratives telles qu’un « travail d’artiste » pour qualifier un travail dont la qualité laisse à désirer. Ce n’est pas du tout la conception de l’art que nous avons à Cuba, où la figure de l’artiste est très respectée, et où le savoir-faire technique de l’artiste est considéré comme primordial.
Pourquoi choisis-tu d’utiliser l’argile pour peindre et dessiner ?
L’argile me permet de retourner aux origines de la peinture, lorsqu’étaient utilisés des pigments naturels. La terre pour moi représente les origines : c’est là d’où l’on vient, et on l’on retourne. J’utilise de manière cyclique la même terre depuis des années, terre qui provient de Cuba. La terre rouge est donc celle de mon pays : elle est omniprésente dans l’expérience quotidienne du paysage cubain, par terre ou sur les briques des maisons. Le rouge est aussi la couleur du communisme. La terre rouge représente donc pour moi ce qui est connu, parfois en opposition avec ce qui ne l’est pas, représenté par la couleur blanche dans mes dessins. Celle-ci représente ce à quoi je n’ai pas accès. Les parties en blanc sont des lieux d’investissement de l’imaginaire, où j’imagine des pans de mon histoire familiale en comblant les vides, les manques et les absences.
Comment envisages-tu la représentation du temps dans ton œuvre, et l’inscription de ton œuvre dans le temps ?
J’ai parfois exploité le passage du temps pour produire des œuvres changeantes et éphémères. Par exemple, en 2015, lors d’une exposition dans une citerne à la Villa Médicis, un lieu extrêmement humide, j’ai créé une horloge faite d’argile que j’ai intitulée Le Poids qui compte. Elle était accrochée au mur et dissimulée au début. Puis, à mesure que le temps passait et que l’argile séchait et tombait, l’horloge se dévoilait. On pouvait également entendre le cliquetis de l’horloge dans la citerne. Le Poids qui compte, le temps qui passe, c’était aussi pour moi la vérité qui tombe. En 2013, j’avais également créé une installation éphémère pour la 5ème édition du Festival des Arts éphémères à Marseille : il s’agissait d’une toupie de savon, déposée au milieu d’une flaque d’eau, qui fondait petit à petit pour disparaître.
En tant qu’expatriée cubaine, quel rapport entretiens-tu avec l’hypermodernité ?
Mon œuvre est marquée par l’histoire et la société cubaine. À Cuba, on vit dans le passé, la société a évolué à un rythme différent depuis soixante ans. Dans ma maison, les affaires sont toujours les mêmes, par exemple. On vit au ralenti. Mon œuvre prend donc peut-être le contrepied du thème de l’exposition Hyper- ! En outre, elle entretient souvent un rapport très nostalgique avec le passé, fortement présent dans mes œuvres, par exemple par le biais de l’évocation de l’histoire cubaine.
Quelle influence ton histoire familiale a-t-elle sur toi et sur ton œuvre ?
Ma personnalité, ma façon d’être et mon travail sont conditionnés par mes origines, et notamment par mon histoire familiale. Mon grand-père fut prisonnier politique pendant 17 ans à Cuba ; il était poète, et ses écrits furent censurés par le régime. L’absence, qui est souvent son absence, imprègne mon œuvre. Dans l’œuvre que j’ai exposée à la Biennale de Lyon en 2019, par exemple, un banc en cannage représente un portrait de famille, avec une présence en creux au centre. La censure et l’autocensure affectent aussi mon travail ; les livres, par exemple, disent souvent la difficulté de raconter son histoire et d’exprimer sa pensée. Puisque je viens d’une famille d’écrivains, mon œuvre a souvent un rapport fort avec l’écriture. Lorsque je travaille en France, j’ai l’impression d’avoir à ma disposition une plus vaste panoplie de sujets que lorsque je suis à Cuba. Je suis attirée par les choses que l’on n’a pas le droit de savoir ; à mon arrivée en France, l’une des premières choses que j’ai faites fut d’acheter les livres qui sont censurés à Cuba.
Propos recueillis par Carole Delhorme